书名：音乐爱好者（2017年第四期）pdf/doc/txt格式电子书下载

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作者：《音乐爱好者》编辑部著

出版社：上海音乐出版社

出版时间：2017-04-01

书籍编号：30612804

ISBN：9771005774180

正文语种：中文

字数：66049

版次：

所属分类：艺术摄影-音乐舞蹈

版权信息

书名：音乐爱好者（2017年第四期）

作者：《音乐爱好者》编辑部

出版社：上海音乐出版社

出版时间：2017-04-01

ISBN：9771005774180

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Music book音乐书屋

MAGAZINES 外刊介绍

文字_子庚

BBCMusic2017年2月号《BBC音乐》

●“音乐旅行”栏目带领我们走入赫尔，一个在经济发展上似乎已经触底、但正在反弹的英国小城。赫尔曾经高度依赖码头运输业与拖网捕鱼业，但慢慢变得萧条。它的剧院向来有舞蹈传统，这些年打算向音乐产业逐步转型。赫尔每年都会举办在英伦享有盛名的贝弗利音乐节（分为早期音乐、新音乐和室内乐三部分），而赫尔爱乐乐团现任指挥是从1982年起就留在本地的安德鲁·佩尼（Andrew Penny）。日前，乐团还请到作曲家詹金斯（Karl Jenkins）为乐团谱写了一部管风琴新作。

●马勒《第六交响曲》是一部什么样的作品？贝尔格曾经将这部外号为“悲剧”的交响曲与贝多芬的“田园”相提并论，原因之一是他觉得历史上出色的“第六”交响曲实在屈指可数。作品中存在着很深的矛盾感：末乐章的锤击仿佛在宣告自己距离死亡已不遥远，可是快板乐章里的“阿尔玛主题”却又呈现出一种欢欣与乐观。在“建立你的版本图书馆”栏目中，除了阿巴多、伯恩斯坦和哈丁的三版之外，杂志特别将诺特（Jonathan Nott）指挥班贝格交响乐团的版本置于最高殿堂。如若可以接受《第六交响曲》的独特语汇，杂志进一步推荐您涉足西贝柳斯的《第四交响曲》、米亚斯科夫斯基的《第六交响曲》，或者一般不常被注意到的意大利作曲家卡塞拉（1883-1947） 的《第二交响曲》。

Gramophone2017年2月号《留声机》

● J.S.巴赫的《三首长笛与数字低音奏鸣曲》（BWV 1033-1035）瑰彩逼人，并不逊色于作曲家的其他器乐奏鸣曲。它的谱写大约始于1718年，终于1741年。除了这组作品之外，巴赫还写有另外五部与长笛相关的佳作。今天，不管使用现代长笛还是巴洛克长笛，演奏难度都不轻松，研究学者认定这缘于巴赫对当时的长笛性能（相对于键盘和弦乐）仍然不甚了解。何况还存在一个广受争议的问题：是否该用弦乐通奏低音予以伴奏。在“留声机推荐”中，除了朗帕尔、高威与帕胡德最为出名的三版之外，1998年由英国长笛手所罗门（Ashley Solomon）在Channel公司录制的这组奏鸣曲出人意料地拔得被推荐的头筹。

●“肖像”栏目介绍了英国钢琴家奥格东（John Ogdon），他在RCA的录音合集（2014年由Sony公司发行）是一份珍宝。他在近二十年前以五十二岁的年龄英年早逝，让人叹惋。与他的英国同行如赫斯女士、柯曾或者所罗门全然不同，奥格东常采用摧枯拉朽的力度与速度，乃至解构式的演奏方法。他在1988年录制的索拉伯吉（Kaikhosru Sorabji ）的漫长独奏作品是一项创举，而他手下的阿尔坎、贝多芬与李斯特也都呈现出了桀骜无畏的面貌。奥格东的老师坦言，自己仅能作为引路人，这位天才真正的能量深不可测。

●二十世纪四十年代末，首创具象音乐概念的法国人皮埃尔·亨利（Pierre Henry）对先锋派的定义是：“与其说我演奏音乐，不如说我演奏‘声音’，声音世界在我体内起舞。”而施托克豪森说：“我试着在声学环境背后去寻觅音乐。真正的音乐往往潜藏于生活表面之下。”在“专题访谈”中，克拉克（PhilipClark）的《力量的先锋们》就从现代主义的开拓者布索尼、二十世纪中期的重要实验作曲家卡迪尤，说到贯通摇滚与电影的跨界大师弗兰克·扎帕。当谈到英国电子音乐实验室的发展与演化时，他说，电子技术的介入使得古典音乐作曲获得了更自由的疆界。譬如，瓦雷兹在1958年布鲁塞尔世界博览会上的展出作品《电子音诗》（Poéme Èlectronique）是一次决定性的转折，即便在六十年后重新播放这首作品，我们依旧会震撼不已。在作品出炉前，作曲家凯奇就写信给瓦雷兹，语气中略带抱怨：“如今作曲家的领军小集团往往缺乏打破桎梏的勇气，而他们又拥有着实验室，这太让人无法理解了。我希望你的作品，千真万确是从实验室里生长出来的。”

Figure人物

和张昊辰的一场音乐漫谈

A Music Talk with Zhang Haochen

文字_张朋汨

作为张昊辰坚定的粉丝，和他有过几面之缘，

却从来没与其认真谈论过音乐的话题。

承蒙《音乐爱好者》杂志的邀请，

让我有机会可以和昊辰聊聊音乐和他的新专辑。

见面时，张昊辰的友善和他轻快的话语都让我印象深刻，其言论中不断释放的理想光芒，

让我坚信他正走在迈向大师的路上。

听说张昊辰，是很小时候的事情了。余家住上海，自幼有一搭没一搭地学着钢琴，约莫五岁时就从父母和老师口中知道有这么个出类拔萃的小朋友，天赋异禀，学习钢琴进步神速。刚进初中不久，还是圆脸的小昊辰穿着西装背带裤，打着小领结，表情从容不惊地赢下了第四届柴科夫斯基国际青少年音乐比赛的第一名。我在惊喜之余，立即将张昊辰从榜样的位置提升到了偶像。偶像随即考取了大名鼎鼎的科蒂斯音乐学院，看似一帆风顺地开始在大洋彼岸追逐其音乐梦想。

可即便是偶像，当时也只是一介少年，少年维特尚有那么多烦恼，少年昊辰估计也不会少。相比维特，张昊辰要勇敢和坚毅得多，生活加予的不便给了其享受孤独、热爱思考的特质，也促使其保持着超高的自我要求。

读大学的时候，我得知张昊辰进了赛制艰难的范·克莱本国际钢琴比赛三十强，第一轮看罢就跟同学打赌说，偶像这次要创造历史拿大奖了。整个赛程中，张昊辰的演奏音乐性和技术性无懈可击，他那满溢的大将之风使他脱颖而出，最后他毫无争议地获得了那届的金奖。

随着比赛胜出，张昊辰的演出机会越来越多，个人风格也越来越明显，独奏会选曲虽涵盖各种风格，却始终会安排一些德奥作品和晦涩的小品来传达昊辰时常沉思的感悟。2017年2月，张昊辰的首张录音室专辑终于问世，收录了舒曼的《童年情景》、李斯特的《第二叙事曲》、雅纳切克的《钢琴奏鸣曲》（X.1905）以及勃拉姆斯的《钢琴间奏曲》（Op. 117），如此非同寻常的曲目组合让人不禁好奇昊辰的心里究竟在想些什么。

作为张昊辰坚定的粉丝，和他有过几面之缘，却从来没与其认真谈论过音乐的话题。承蒙《音乐爱好者》杂志的邀请，让我有机会可以和昊辰聊聊音乐和他的新专辑。和张昊辰约见之前，我在网上查了他的时间表，他演奏作品之多、之难，时间之密集都让我大为震惊，也担心是否会打扰到他仅有的休息日。可见面时，张昊辰的友善和他轻快的话语都让我印象深刻。我深感和张昊辰一同成长的幸运，其言论中不断释放的理想光芒，让我坚信他正走在迈向大师的路上。

● 张朋汨 ○ 张昊辰

●非常祝贺你发行的新专辑，你选择的作品以及弹奏都充满了内省和哲思。你能谈谈你专辑选曲的用意吗？这些曲目都是你自己选的吗？

○谢谢。对，曲目是我自己选的，当然唱片公司也给了我一些意见。我原先的设计是弹一些李斯特的超技练习曲，而不是现在的这首《第二叙事曲》，这样选择是为了让整张CD有一个共同的音乐性上的阐述。但是后来这个方案被我否定了，因为《童年情景》是一个小品集，雅纳切克的奏鸣曲虽然可以算作一个大架构的曲子，但它是以两个乐章呈现的，形式也偏向于自由体裁式。勃拉姆斯的Op.117也一样，属于Character Pieces（性格小品）的三个小品。这样一来，我觉得如果再加上三四首超技练习曲的话，单曲的数量太多了，而换成李斯特的《第二叙事曲》，整张CD的结构会比较集中一点。这是从结构出发的一个设计。再者，如我之前说的，我认为一个好的曲目安排必须能在整体上构成一个统一的声明，从这个声明背后，艺术家能够表达一种对于音乐的态度，某种自己所追求的本质。我希望通过我的选曲和演奏，能够传达出这种本质。

●的确，我能感受到整张专辑存在着某种统一性和方向性，有你想传达的一种启示。你的曲目安排挺独特的。

○对，近几年年轻钢琴家录音趋于选择一些炫技型，或者对比性非常大的、外向型浪漫主义风格的曲子。虽然我在音乐会上也弹这类曲子，但我觉得一些比较内省的、沉淀性的曲子更贴近我的性格和内心，演奏起来也更为顺畅。我更愿意收录这类曲子作为自己的首张专辑分享给大家，也希望这样不依附潮流的做法可以更加显明其背后的某种理念。其实不仅是这张专辑，特别是最近几年，我对于独奏会的选曲都有此类的思考，我想让整个曲目单更加有意义一些。这四首曲子都有某种思省性。

●我倒是觉得除了《童年情景》以外，其余三首似乎都被死亡的主题牵引着。

○你说的对，但你说的是作曲家谱写作品时本身的一种文学性的构思，一种意象的表达。这是一回事，而我更想说的是这些作品在气息上，在作品帷幕后面具有某种相通的“沉淀”的特质。《童年情景》其实是一部非常具有“回望”性的作品，是舒曼对童年私密的幻想经过内心沉淀后娓娓道来的小品集。

●原来如此，我确实觉得你录制的《童年情景》相比我听过的其他版本处理得更深刻一点，有一些思想性的回味。当然，《童年情景》是舒曼以成人的视角对儿童心理和幼时情景所进行的创作，我听过的其他版本都比你录音的版本来得更欢快和可爱一些，这是刻意为之吗？

○对，我之前弹《童年情景》时也想传达出某种生动性和纯真性，以及儿童活跃的想象力，但当我沉浸在这套CD的语境里时，《童年情景》的意味就会改变一些，不仅仅是场景描写，更多的是一种遥望童年，对儿时心境朴素天真的体验和感悟。

●《童年情景》中的一首《异国和异国的人们》在音型上像摇篮曲，而勃拉姆斯Op.117中的一首也恰好是一首摇篮曲。这样一头一尾的搭配是不是你刻意为之的呢？而且你这样搭配总会让我想到苏轼的《江城子·记梦》，都是“夜来幽梦忽还乡”，《童年情景》是“小轩窗，正梳妆”，逐渐走向对内心探索的深渊，而到了勃拉姆斯就变成了，“不思量，自难忘”“无处话凄凉”。

○（昊辰也跟着背了几句）。《童年情景》和勃拉姆斯的Op.117是有一些相通性的。我觉得单独看一部音乐作品的时候，作品的意义只被作曲家本身的精神和构思所赋予，是一个独立单个的生命。但当一部作品作为音乐会形式出现的时候，往往要和其他作品搭配起来，合在一起构成一个更大的生命体（如果曲目搭配本身是成功的话），一个更广大的灵魂。比如《童年情景》在这张CD里，就必须服务于一个更大意义上的精神语境，那么乐曲自然就会衍生出新的趋向性。我在准备CD录制的时候，经常练习勃拉姆斯、李斯特和雅纳切克，这些都会影响到《童年情景》的表达。还有这个乐季的独奏会曲目，我将舒曼的《童年情景》和《交响练习曲》放在一起演奏，后面接着雅纳切克的《在雾中》和普罗科菲耶夫的奏鸣曲，这样《童年情景》的性质可能又会改变一些，但这都是自然的过程，不是刻意而为之的。

●这真是非常有意思，作品因为大语境的不同竟然能被赋予一些新的表达方式。

○是的。说回选曲的设计，舒曼和勃拉姆斯都属于德奥乐派，和声语汇上都有一种肃穆的洁净感。李斯特虽然在德奥乐派的背景下学习，但因其自身是匈牙利人，旋律上会带有一些东欧的异域色彩，这和身为捷克作曲家的雅纳切克的音乐语汇就相近了。而从帷幕后的“作品气质”上来说，《童年情景》是舒曼看往童年，是一种私密的幻想，这种幻想性质承接到李斯特的作品中，变换成戏剧化的表现形式。同时，和李斯特其他特别绚烂的作品比起来，这首《第二叙事曲》在总体结构与句式上都更有一种明晰感，主要旋律和中段发展也有独特的简明的特质，这和舒曼的质朴会有一些共通之处。

再说，《第二叙事曲》戏剧化的表现形式其实是有些黑暗的、剧场化的，这种戏剧化因素过渡到雅纳切克的奏鸣曲则变为一种更黑暗的、心理化的抽象戏剧性。你看雅纳切克虽然描写的是一个在暴乱中工人被枪击致死的事件，奏鸣曲两个乐章却命名为《预兆》和《死亡》，指涉的其实是这个事件带给他心理上的一种震慑和阴影，而非描述事件本身。随着他音乐中抽象的戏剧性被不断地内化到心灵的最深处，最后衔接到勃拉姆斯Op.117的时候就褪去了所有的戏剧化，只保留了内心的独白和内省似的禅思。

可以这么说，雅纳切克从开始到结尾，从过程中的挣扎最终渐渐变成了一种语境上完全内省的表达。再看整套曲目，从李斯特开始就像一个恒星，开始不断不断地萎缩，到雅纳

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